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Conversación entre directores: El realizador dominicano Juan Namnun habla con el director español José Luis Guerín

El director español José Luis Guerin conversa con el joven realizador dominicano, Juan Namnun, en el salón de conferencias de la Cinemateca Dominicana.

El director español José Luis Guerin conversa con el joven realizador dominicano, Juan Namnun, en el salón de conferencias de la Cinemateca Dominicana.


Aprovechando la visita del realizador español, José Luis Guerín, y la relación que ha desarrollado con el director dominicano Juan Namnun [“Migración y cine dominicano”] decidimos comenzar esta nueva sección de “Conversación entre directores” en la que Namnun y Guerin conversan sobre cine en momentos en que el director español se encontraba en el país impartiendo un taller para los interesados del Séptimo Arte.

por: Juan Namnun

El Centro Cultural de España en Santo Domingo la Dirección General de Cine en la República Dominicana y Rayo Verde unificaron esfuerzos para traer al país a impartir un taller al cineasta José Luis Guerin. Quien accedió a darnos una entrevista para CineDominicano.net. El  día cinco de marzo en horas de la mañana nos reunimos en el Lobby del CERTV Roberta, Leo, de Dominicanoshoy.com y yo, Juan José, para conversar sobre cine. Una conversación que el cineasta y yo habíamos empezado por los medios sociales de Web con antelación.

JJ. ¿En sus inicios como cinéfilo que encontramos?

JLG. Yo entonces soñaba con Dreyer, Dovzhenko, el Renoir de “Une partie de campagne”, Bresson…De hecho con el cine que me sigue apasionando hoy.  Aunque no al mismo nivel, si me gustó mucho “Badlands” de Malick. Casi todo Bergman, me gusta mucho Juan. Al menos tanto como a Pladevall Nykvist.  A ver si consigues ver Ordet que a mi juicio es la película más bella y emocionante de todas. (Tomas Pladevall es el fotógrafo de: “Tren de sombras”)

JJ. El cine es primero una idea, a su materialización primera  le llamamos Guion ¿Cuáles guiones destacarías?

JLG. No sé qué objeto tiene el destacar algún guión y hay tantos excelentes como películas que amo. Y son además muy variados en contra de lo que pretenden hacer creer tantos Manuales de escritura de guión, que pretenden reducir eso a un recetario de fórmulas. En su momento leí el guión original de The Quiet Man de Ford y me llevó a tomar conciencia de muchas cosas, también la estructura dual de “Carta a una desconocida” de Ophuls, los cambios de puntos de vista en “La vida criminal de Archivaldo de la Cruz” de Buñuel, los diálogos de los últimos Lubitchs y de sus descendientes, con esa “Two on the road” construída a base de discontinuidades continuas…los guiones de “Psicosis”, de” los Cuentos morales” de Rohmer (construídos sobre la voz en off) pero también el guión de “El intendente Sansho” de Mizoguchi…

JJ. Dreyer, Bresson, Chaplin; algunos más como Bergman y Tarkosvky… ¿Cuales directores contemporáneos le parecen estimulantes?

JLG. Juan, Tarkovski siempre es deslumbrante y su trabajo sobre el sonido y la imagen opera sobre nuestra percepción como muy pocos. Es un cineasta no obstante al que recuerdo más por momentos, por secuencias aisladas de fulgor infinito que por películas en su globalidad…Siempre he temido la filmación de sueños, me parece que se llevan mal con el cine (salvo en el cine mudo, que se relacionaba de otro modo con lo onírico). Es un problema que tengo con muchos de los cineastas que más quiero: Fellini, Bergman…Creo que es más cinematográfico cuando el onirismo se puede referir sin transgredir el verosímil “diurno”. O bien cuando toda la película en sí es un puro sueño: “Vampyr” de Dreyer, “Un chien andalou” de Buñuel…Sin duda es una apreciación muy personal.


A diferencia de lo que pasaba con el gran cine clásico, los autores actuales que sigo con más interés se divulgan muy  poco y a veces casi me da apuro citarlos. Me gustan mucho Garrel, Kiarostami, Olmi, Terence Davies, Erice, los documentales personales de Raymond Depardon, Nicolas Philibert y los que no llegan a ser impúdicos de Alain Cavalier, varios documentalistas raros del Este se encuentran entre lo que más me interesan, también el film alucinante de 8 horas de Wao Bing “Al oeste de los raíles” está entre lo mejor que he visto en  el cine moderno… ¡Hay muchas cosas pero cada vez más escondidas!

JJ. ¿Aquí en Republica Dominicana Stanley Kubrick es muy admirado, a Usted que le parece?

JLG. Juan, sería largo para desarrollar aquí. He visto todo Kubrick y alguna más de una vez por tanto me interesa mucho pero muy pocas veces me conmueve de verdad. A veces me parece más “vistoso” que verdaderamente bueno y el efectismo de “La naranja mecánica” es de lo más feo que recuerdo en cine. Pero si, me interesa su cine aunque no esté entre mis favoritos.

Con” Eyes wide shut” he mantenido una relación desigual porque inicialmente no me gustaba nada y después, si. De un modo u otro me gustan casi todas. También El resplandor, Atraco perfecto y especialmente Lolita.

La verdad es que se puede hablar mucho de Eyes…es rica y compleja. Su guionista, Frederic Raphael es autor de una película-clave sobre la pareja, “Two en tho road” de Stanley Donnen. Sospecho que por eso lo eligió Kubrick y en mi opinión, bajo la levedad de “Two on the road” se encuentra una de las mejores películas sobre la pareja en el mundo burgués/occidental.

JJ. ¿Y  sobre  los directores de fotografía?


JLG  Cuando pienso en fotografía de cine me vienen siempre a la mente las imágenes esplendorosas del gran cine de estudio. Ahí la luz era la reina y el alma de la secuencia.” Carta de una desconocida” de Ophuls es un buen ejemplo. Greg Toland es un portento, sea con Ford o con Welles. La luz suave y clara con penumbras a veces de “Ordet” me acompaña siempre. El B/n de” Como en un espejo”,” los comulgantes”, “La vergüenza”…es otra poética visual que evoco frecuentemente. El B/n ecológico (sin apenas soporte lumínico) de Néstor Almendros en “L´enfant sauvage” de Truffaut…

Entre los fotógrafos que trabajan el color me gustan: Almendros; desde (Malick a  Rohmer), Sven Nykvist, Raoul Courtard.

JJ. ¿Chaplin le ha influido?

JLG. Chaplin es el cineasta primero, el que aprendí a querer desde la cuna. Su arte es inimitable porque es un pensamiento de la puesta en escena que se desarrolla desde el propio cuerpo: la distancia con la cámara para capturar una inflexión, un cambio de ritmo, un gesto, una expresión…dónde empezar la secuencia y el plano para que el personaje de Charlot visibilice tal cosa o tal otra…Creo que su influencia es improbable y sin embargo siempre vuelvo a él.

Lo más esencial se encuentra en las películas de Charlot. Es el director al que regreso cuando ando en búsqueda de identidad.

JJ. ¿Cuándo se decidió a hacer cine?¿ Con quienes aprendió a hacer cine? ¿Qué quiere aportar a la cultura? ¿Qué es una buena película?

JLG. Decidí hacer cine cuando vi mi primera película a los cuatro años; “Blanca nieves y los siete enanitos” me provocó un trauma, vi con gran emoción esa primera película.

En cine, y esto es interesante a diferencia de la escuela en la que  los profesores te vienen impuestos, en cine nadie te impone tus maestros, los haz de ir encontrando poco a poco viendo películas y decidir quienes son tus maestros. Es un camino solitario…

Es una paradoja; mis películas pares me salen documentales y las impares ficción. Además me salen en  una dialéctica; están enfrentadas, las impares  con pocos personajes, muy intimas, bastante ensimismadas y las pares son muy populares, con muchos personajes, corales, ruidosas, mucho dialogo…

En cine esta todo por hacer; nada está inventado, debemos reinventarlo; las cosas nuevas yo creo surgen de una buena asimilación del pasado.lo mismo que sucedió en el gran Renacimiento Italiano después del Medioevo.
Surge el Renacimiento porque hay una aceptación de los legados del pasado.

Asimilar la cultura clásica, reinterpretarla y generar una gran cosa nueva, esa es la dialéctica en la que yo creo. El dialogo con los que nos han precedido nos proyecta al futuro.

Una buena película para mi es cuestión sobre todo de implicación de sinceridad. No es cuestión de trucos o de tener actores my buenos. Lo que en verdad aprecio la sinceridad y la libertad del cineasta. Que no me trate como un idiota. Para mí la única manera honesta de hacer una película es pensar que como mínimo el espectador es tan inteligente como yo.

JJ. ¿Cómo describiría la dinámica del cine?

JLG. En el presente el cine es dramático, tomemos el ejemplo de la “Novelle vague” que tenía que destruir el cine academicista francés, luego pasa el tiempo y puedes recatar a cineastas como Rene Clair y Marcel Carne que hacen películas muy bellas. Pero en el momento de la batalla para que el cine avance tiene que librarse una batalla cruenta, unos cineastas que se imponen al viejo pasado. Cuando aprendes a ver ese movimiento: tesis, antítesis, síntesis te preguntas ¿Por qué?… ¿Es que en literatura el gusto por Marcel Proust te debe quitar el de Mark Twain? ¿No puede leerse a Balzac  y a Melville? Soy muy goloso. Me gustan los antagónicos…

JJ. ¿Cómo Dreyer y Hitchcok?

JLG. Claro. Yo los necesito a ambos, si he de quedarme con uno me quedare con Dreyer pero como abandonar a Hitchcock vivimos un momento de un desprestigio de la historia mis alumnos no conocen la historia…

JJ. ¿Una película de su juventud?

JLG. “La mama et la putain” de Jean Eustache. Es una película muy importante para mí; es una película de cuatro horas, donde no paran de dialogar; y la primera vez  que la vi ¡yo no hablaba francés! Eran unos diálogos muy misteriosos. Fue la película de mi juventud… muy dolorosa, fue mi educación sentimental recoge para mí la mejor tradición del cine francés. Esta latiendo ahí: Bresson, Philippe Garrel, “La Novelle Vague”. La he visto varias veces… también uno de los libros de mi adolescencia fue: “Las penas del joven Werter”… Romanticismo obscuro… Eustache se suicido muy joven, se pego un tiro. Como el personaje de Goethe

JJ.  Hablemos de sus primeras películas, comenzando con “Souvenir”

JLG. Me lo encargo una televisión de vanguardia que quiso dedicar un especial al concepto del souvenir a la película de recuerdos de veranos… éramos muchos, artistas, escritores y yo hice esta pequeña reflexión sobre el concepto del souvenir sale la torre Eiffel el souvenir por excelencia de Paris. Yo era muy joven, andaba con mi amiga y conseguimos imágenes bonitas, pero inocentes. Está basada en un párrafo que encontré de “El peso del mundo” de Péter Handke… un párrafo que me dejo suspendido… (Hay que ver el corto para escuchar el párrafo) el cine es eso el tiempo de la vida pasa, se esfuma, en cambio el tiempo del plano se queda como momificado. Un testimonio.

JJ. “Fantasías de Pubertad”, “Los motivos de Bertha”

JLG. Tenía 22 o 23 años ¿De qué puede hablar un chico como yo? de eso de las fantasías de la juventud. Estaba obsesionado por controlar todas las formas cinematográficas y elegí un paisaje de líneas horizontales muy limpio, donde se recortaba un bosquecillo y podía controlar muy bien los encuadres; el valor semántico que podía tener un camino, un árbol, lo fotografié en blanco y negro porque quería ser un gran controlador de la imagen al no tener el color podría controlarlo más la homogeneidad del blanco y negro.

Sigo creyendo en la superioridad del  blanco y negro sobre el color. Creo que lo que es importante en verdad en  el cine es la luz y el color distrae. Cuando estoy encuadrando para blanco y negro me importa la arquitectura de la imagen, las líneas la construcción en cambio en color son manchas.

Una imagen es una cosa muy importante.

JJ. ¿Sobre “Unas fotos en la ciudad de Sylvia” y su ausencia de banda sonora?

JLG. A tenido algunas versiones musicales en sesiones, clásica y de jazz pero yo la prefiero en silencio por más que éste incomode a no pocos espectadores

JJ. ¿Cuál es la Película?

JLG. La película más bella que el cine ha concebido en toda su historia es “La palabra” de Dreyer. Cada vez que la veo lloró y después de esta “City lights”. 

JJ. Durante el Renacimiento: Rafael pinta “La Academia” en ella nos presenta la disyuntiva del pensamiento clásico Griego. Platón señala hacia arriba Aristóteles lo hace hacia abajo. Jorge Luis Borges observa que en algún momento toda persona hace esa disyuntiva, ver al mundo como un mapa siguiendo a Aristóteles o verlo como un espejo siguiendo a Platón. ¿Dónde se ubica el cine de José Luis Guerin?

JLG. El espejo… Uno siempre piensa: El cine es ventana o espejo y están las dos cosas. Las dos dimensiones y esto es lo fascinante del cine. La pantalla del cine es una ventana abierta sobre el mundo, hacia afuera y al mismo tiempo es el espejo que te descubre tu imagen porque es en ese modo de ver el mundo que se revela lo más íntimo tuyo… el cine es síntesis; es el dedo hacia arriba y hacia abajo… es la posición del integrador. Es espejo y ventana…

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