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Guillermo del Toro: Todo lo que debería discutirse a fondo de una película, no se discute.

Master Class con Guillermo del Toro en el marco de actividades del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, en su edici—n 33. S‡bado 10 de marzo de 2018. Foto: ©FICG / Gonzalo Garc’a


por: Orlando Santos

Luego de su victoria en los premios de la Academia, el director mexicano regresó a su país, al Festival Internacional de Cine en Guadalajara para impartir tres masterclass, en donde impactó a casi veinte mil personas, sin contar quienes lo vieron por el canal local 44 y a través de Facebook Live.

Las masterclass fueron acompañadas de manera extraordinaria por el crítico Leonardo García Tsao, quién demostró que moderar es un arte y que cuando se modera no se debe ser protagonista sino a penas, “actor de reparto”.

“The Shape of Water” venía de ser reconocida en cuatro categorías en la pasada edición de los premios de la Academia incluyendo Mejor director y Mejor película. La última vez que el director se dio cita al festival, del cual él mismo fue parte fundadora, fue en la edición 30 en donde recibió a más 800 estudiantes en dos Masterclass y a un conglomerado de prensa de casi 60 participantes. En esta ocasión, además del aumento exponencial de seguidores, se inauguró una sala a su nombre en la Cineteca de la Universidad de Guadalajara en el Conjunto de Artes Escénicas. Lo que hacen los Oscars.

Las clases maestras llevaban por nombre “De la Geometría a la Forma del Agua” y luego de confirmar de que todos, o la mayoría de los asistentes había visto su más reciente película, Del Toro procedió a revelar que el filme inicialmente había sido concebido mudo y en blanco y negro.

“En los aviones veo películas pero las veo sin sonido” corresponde del Toro a la experiencia que cuenta Tsao de haber visto nueva vez “The Shape of Water” en un avión pero sin sonido y de cómo funciona completamente. “De hecho la primerísima encarnación era en blanco y negro y muda….. Para mí, idealmente, todas las películas que hago me gustaría que se puedan entender sin diálogo. Que se puedan entender con movimientos, con actitudes, con las actuaciones, con el color, con la luz…”.

Desde los inicios de la carrera del director tapatío hay un claro interés desde “Cronos” de que la cámara, la música y la puesta en escena tengan un rol importante en la narrativa. Si sometemos sus películas al ejercicio de verlas sin sonido, incluyendo sus más comerciales como Blade II, Hellboy I y II y Pacific Rim; se encuentra el valor del lenguaje audiovisual que hace de estos filmes expresiones cinematográficas que aprovechan al máximo muchas de las posibilidades del medio. Esto no quiere decir que la música y los diálogos no sean importantes, esto lo dejan más que claro las composiciones de Alexander Desplat en “The Shape of Water”, las de Javier Navarrete en “El Laberinto del Fauno” y las de Javier Álvarez en “Cronos”, por mencionar algunos ejemplos.

“El lenguaje del cine a mí me preocupa mucho y por eso este año haré tres entrevistas de dos semanas cada una con distintos directores para discutir su oficio exclusivamente en términos audiovisuales, porque la discusión del cine ha cambiado mucho en los últimos dos años a sólo discutir la dos cosas que creo que comparte con otras formas narrativas, pero que son para mí menos importantes en términos cinematográficos: el argumento y los personajes” destaca del Toro.

La preocupación del director es que las discusiones que se tienen sobre cine, en su mayoría, son muy superfluas. Se anda uno preocupando más de “qué” va la película, en lugar de todas las herramientas que han sido utilizadas para contar esa historia, para destacar a los personajes, para transmitir emociones, etc.

“Lo importante no es el ¿qué? sino el ¿cómo? – haciendo alusión a una pintura –  el trazo, el vigor del trazo, la composición del color, el componente emotivo del color, de la luz… Todo lo que debería discutirse a fondo de una película, no se discute.”

Las entrevistas que sostendrá este año tentativamente son a Michael Mann, George Miller y Ridley Scott. Tres directores que han realizado películas de género en donde tienen bien claro lo que quieren contar a través de puesta en escena. Ejemplo de esto es la más reciente “Mad Max: Fury Road” de Miller; “Collateral” de Mann o “Alien” de Scott. “Son entrevistas que trataría de repetir con otros directores más adelante y que discutiremos en términos de lentes, dollys, movimientos, luces, montaje, el ensamblaje de ese montaje, la puesta en cámara. Discutir el cine en esos términos para poder recuperar ese lenguaje.”

Filmes como los ya mencionados de esos tres grandes directores y TODOS los filmes de Guillermo del Toro han sido constantemente reducidos a un criterio en base solamente del ¿qué?. La conversación en torno a “The Shape of Water” se ha limitado a la relación sentimental que desarrolla, obviando la puesta en escena y la construcción visual de la película. Similar le pasó hace un par de años a “Mad Max: Fury Road”, reducida en la mayoría de conversaciones a simplemente una película de acción, disparos y explosiones. “El cine es alquimia, es tomar elementos que tú transformas y transmutas y devuelves convertidos en oro. Por eso para mí, desde “Cronos” hasta ahorita, los argumentos básicos son el arquetipo de la película”.

La fantasía, el horror, el melodrama, la acción, la comedia, el romance, le han servido a del Toro para construir mundos cinematográficos donde cada herramienta cuenta su propia historia. También le ha servido al director, y esto es más destacable en “The Shape of Water”, retratar personajes exiliados que de alguna forma buscan un sentido de pertenencia en el mundo que les ha tocado vivir.

En “Cronos”, Jesús Gris [Federico Lupi] y Aurora [Tamara Shanath] comparten una relación de abuelo y nieta que trae la soledad de sentir que no pertenecen. Jesús se ha dejado abrumar por la vejez, mientras que Aurora cela cada momento que no puede estar con su abuelo. En “El Espinazo del Diablo”, Carlos [Fernando Tielve] crea una conexión con un fantasma por destino y por su distanciamiento. En “El Laberinto del Fauno”, se puede interpretar que Ofelia [Ivana Baquero] crea un mundo de fantasía cuando ya casi no puede compartir afecto con su madre. La soledad, la búsqueda de afecto y lo importante de la fantasía, la curiosidad y el arte en estos casos es algo constante en la obra de del Toro.

El argumento y sus personajes pueden ser los que reciban más críticas negativas, “The Shape of Water” ha sido víctima de esto; y también pueden ser lo que él considere lo menos importante de sus filmes. Aunque él destaque estos materiales como “arquetipos”, en ellos encontramos una construcción y una sutileza de profundidad innegables. Sin duda, sirven como puente de ensamblaje para las demás herramientas cinematográficas.

“La relación con el fotógrafo es la más importante, es la más íntima” destaca del Toro. Guillermo ha colaborado con su tocayo Guillermo Navarro desde el inicio, y con quién ha tenido la mezcla más interesante en trabajo de cinematografía. Esta colaboración aborda la “Trilogía del Horror”: “Cronos”, “El espinazo del diablo” y “El laberinto del fauno”; al igual como “Hellboy”, “Hellboy II: The Golden Army” y “Pacific Rim”. Con Gabriel Beristain, comparte “Blade II” y con Dan Lausten, pasó de trabajar en “Mimic” en 1997, tal vez su película más débil, ha fotografiar, probablemente, sus dos películas más hermosas: “Crimson Peak” y “The Shape of Water”. Todas sus películas, visualmente, son una experiencia interesante y razón de estudio. ¿Cómo retrata a los personajes?, ¿Cómo los retrata ante una situación?, ¿Cómo evoluciona el argumento a través de la cámara y su puesta en escena?. Todo esto proviene de la prioridad de él como director y de su preocupación por la luz y el encuadre.

En una respuesta más pasional sobre qué tiene de “Cine Mexicano” su cine, del Toro responde “¡Pues yo cabrón!”. El director destaca que siempre ha sido de su interés hacer una película de género en Guadalajara. “Uno debe encontrar modelos que le sean emocionalmente muy cercanos” comenta del Toro, sobre el oficio de hacer arte destacando todo lo que existe de él en su cine. Uno de esos principales ejemplos es la violencia. “La violencia que provoca una sensación, tiene que venir de lugares esenciales. Yo pienso: ¿Donde me dolería a mí? pues en la cara y en el sobaco”.

El crítico Roger Ebert dijo en una ocasión que el cine era la maquinaría más poderosa para crear empatía, yo creo que esta frase es extrapolable al arte en general; y no existen películas masivas y/o de género que representen el arte como esa maquinaría de empatía y de su importancia como los filmes de del Toro. El arte es tan significativo en las historias del director tapatío, que es también crucial para él demostrar lo importante que es para los opresores tratar de controlar o eliminar el arte.

Su pasión como director, como expositor y como docente es palpable cuando dice que su cine le rompe la madre. Finalmente, destaca la dificultad del cineasta latino cuando declara que “Cuando ya pudiste hacer cine en México, puedes hacer cine donde sea”. Muchos cineastas latinos, especialmente los dominicanos que buscan hacer cine de autor, contar historias personales y de la idiosincrasia de nuestra media isla; pueden asumir perfectamente esa frase como algo de ellos/ellas.

Master Class con Guillermo del Toro en el marco de actividades del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, en su edici—n 33. S‡bado 10 de marzo de 2018. Foto: ©FICG / Gonzalo Garc’a

1 Response to " Guillermo del Toro: Todo lo que debería discutirse a fondo de una película, no se discute. "

  1. Edward says:

    Excelente Orlando. Entrevistas como estas le abren el horizonte a uno y le sirven bastante para ahondar en lo que es el arte y su misión, en contraste a lo superfluo que la mayoría entiende.
    ¿Por qué no dedican un Primera Toma a la siguiente pregunta?
    Mas allá de entretenimiento, ¿qué es el cine y cómo apreciarlo? ¿Qué nos puede llevar a apreciar más el “cómo” que menciona del Toro?

    Saludos,

    ed

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